Atletas Gigantes en Rio2016

La ciudad de Río de Janeiro se llenó de atletas gigantes. Y no nos referimos a Ginobili, Bolt o Phelps. En este caso, hablamos de las enormes instalaciones urbanas creadas por el artista francés JR. Las esculturas gigantes muestran figuras gigantes del atletismo situadas sobre postes metálicos, puestos en lugares impactantes a través del paisaje urbano de Río. Una de las obras representa al saltador de altura sudanés de 27 años Mohamed Younes Idriss flotando sobre un rascacielos. "Quedó fuera de la clasificación para los Juegos Olímpicos de Rio 2016, pero de algún modo está ahí" escribe el artista en su Instagram. Otra de las esculturas se encuentra cerca del barrio de Barra y representa un nadador que salta en una área adyacente del océano. También se encuentra sobre unas vigas metálicas de gran escala e ilustra a un atleta con los brazo estirados que se asoma sobre las rocas cercanas mientras se clava en el agua. Resulta difícil adivinar si estas obras son un tributo al espíritu internacional de las Olimpiadas o una protesta a gran escala. La elección de un atleta que ni siquiera participa en los JJOO de este año parece un acto de rebeldía dirigido hacia las autoridades deportivas.

Atletas Gigantes en Rio2016

Así es el pebetero olímpico de Río 2016

Desde el viernes 5 de agosto, cuando se encendió la llama olímpica en la ceremonia de inauguración de Río 2016, también entró en movimiento la increíble escultura cinética creada por el artista estadounidense Anthony Howe. Sin duda, uno de los instantes más esperados fue el encendido del fuego olímpico en el pebetero. Allí, Howe tuvo una participación especial con una escultura que sostiene la llama olímpica y que fue encargada por el Comité Organizador en agosto de 2015. Desde entonces, el artista se enfocó en crear una pieza de 12 metros de diámetro y dos toneladas de peso que simboliza el sol a través de movimientos cinéticos. "Mi visión fue replicar el sol, utilizando el movimiento para imitar su energía pulsante y el reflejo de la luz" dijo Howe. "Espero que lo que la gente concluya del pebetero, de la ceremonia de apertura y de los Juegos de Río en sí, que no hay límites a lo que un ser humano puede lograr" agregó. Howe es un artista que se dedica a crear figuras de metal que se pudieran mover con el viento. El artista diseña esculturas como modelos 3D que atrapan de inmediato la mirada, con figuras que van desde rostros hasta creaciones surrealistas que se mueven con el viento. ¿Viste la ceremonia de apertura? ¿Qué te pareció la escultura que acompaña estos Juegos Olímpicos?

Así es el pebetero olímpico de Río 2016

Arte con sombras

Fabrizio Corneli no utiliza un lienzo como la mayoría de los artistas, ni tampoco una brocha. Este artista de Florencia usa luz. Su trabajo se basa en el estudio de la óptica y los principios físicos de la luz, consolidando este conocimiento en su arte de una manera totalmente original. Lo más fascinante de sus obras es que no sabrías ni que existen cuando las luces están apagadas, y sólo al encenderse toman forma las siluetas para crear hermosas formas en las paredes adyacentes. “La luz es la energía que crea formas” expresa Corneli.

Arte con sombras

Un momento para aSOMBRArte

La ciudad de Abu Dabi nos soprende constantemente con su arquitectura desbordante y sus lujos desmedidos. Pero en este caso, hay algo mucho más sencillo y genial que nos ha llamado la atención. Estas pequeñas obras de arte decorativas se pueden encontrar en el aeropuerto de la capital de los Emiratos Árabes Unidos. Realizando un creativo juego entre luz y sombras, las piezas componen escenas relacionadas a la vida árabe. En su mayoría son personas rezando o caminando junto a un camello, parejas enamoradas, entornos fácilmente reconocibles. ¿Te gustaría tener alguna de estas obras decorando tu hogar?

Un momento para aSOMBRArte

Mandalas de arena

Los mandalas son símbolos espirituales y rituales en el hinduismo y el budismo, que representan el universo. "Mandala" es una palabra sánscrita antigua que significa "círculo", y es que los mandalas son principalmente reconocibles por sus círculos concéntricos y otras figuras geométricas. En su forma más básica, un mandala es un cuadrado que contiene un círculo con varios círculos concéntricos o cuadrados más pequeños dentro. El mandala está decorado con iconografía tradicional, la cual incluye una multitud de símbolos espirituales antiguos. En el budismo tibetano, los mandalas se crean con arena de colores, una práctica conocida como "dul-tson-kyil-Khor", que significa literalmente "mandala de polvos de colores". Históricamente, el mandala de arena no fue creado con arena teñida natural, sino con fragmentos de piedra triturada de color. Esto a veces incluía piedras preciosas y semipreciosas. Los lapislázuli se utilizaban para los azules, los rubíes para los rojos, y así sucesivamente. En los tiempos modernos, las piedras blancas se muelen y se tiñen con tintas para lograr el mismo efecto. La creación de un mandala comienza con una ceremonia de apertura, en la que los monjes cantan mantras y tocan flautas, tambores y platillos. A continuación, se ponen manos a la obra. En primer lugar, se miden cuidadosamente y dibujan los contornos del mandala en una superficie plana con tiza o lápiz. Una vez que se dibuja el plano de planta, millones de granos de arena de colores se colocan cuidadosamente encima. Los gránulos de arena se vierten en la plataforma del mandala con un embudo de metal estrecho llamado "chakpur", que se raspa con una barra de metal para causar una vibración suficiente para que los granos de arena lleguen al extremo del artilugio. Tradicionalmente, cuatro monjes trabajan juntos en un sola mandala. Cada monje tiene asignado un cuadrante del mismo. Con enorme cantidad de paciencia, estos monjes van colocando las partículas de arena desde el centro hacia fuera. Algunos mandalas pueden tomar varias semanas hasta su finalización, debido a la gran cantidad de detalles intrincados que contienen. A pesar de la enorme cantidad de trabajo duro y tiempo necesario para construir los mandalas, tienen una vida muy corta. Poco después de su finalización, los monjes destruyen deliberadamente los mandalas para simbolizar que nada dura para siempre. La arena se barre y se recoge en un frasco, para posteriormente ser envuelta en seda y transportada a un río donde se libera de nuevo en la naturaleza.

Mandalas de arena

Ciudad de Juego de Tronos en papel

La nueva temporada de Juego de Tronos se acaba de estrenar, y con ella empiezan a aparecer noticias relacionadas. La intro de esta serie es destacable y hacer versiones de ella se ha convertido en un deporte en sí mismo. La última versión de estos homenajes a la serie de TV es especialmente memorable. Se trata de una enorme maqueta animada de papel en la que hay más de 7.600 piezas recortadas minuciosamente. Los especialistas del estudio italiano de diseño Dadomani son los responsables de esta creación que se limita sólo a la ciudad de Kings Landing. El trabajo es un encargo de la marca de artículos de papelería Moleskine, que celebra con este vídeo el lanzamiento de una edición especial de libretas inspirada en Juego de Tronos. En los videos podemos ver cómo se ha recortado cada pieza y cómo se ha filmado la maqueta en movimiento mediante stop-motion. Toda una pequeña gran obra de arte.

Ciudad de Juego de Tronos en papel

Bicicletas creativas

Vamos a notar que hay algo extraño en estos dibujos de bicicletas. En efecto, si estos modelos fueran fabricados, sus marcos y partes no resistirían mucho tiempo a un ciclista. La colección Velocipedia surge de un experimento liderado por el diseñador italiano Gianluca Gimini quién pidió a familiares, amigos y extraños que dibujaran una bicicleta, así de simple. La sorpresa llegó cuándo el diseñador advirtió que muy pocos de los voluntarios podían recordar con precisión la forma correcta de una bicicleta, generándose una variedad de mutaciones sorprendentes. "Luego de implementar mi experimento descubrí que cuando los encuestados se enfrentan con esta extraña petición, a la mayoría se le hace muy difícil recordar exactamente cómo se hace una bicicleta y la mayoría terminó dibujando algo que se encuentra bastante lejos de una bicicleta regular. No sospechaba que esto es en realidad una prueba habitual que los psicólogos utilizan para demostrar cómo nuestro cerebro a veces nos engaña pensando que sabemos algo aunque no lo hacemos." explicó Gianluca Gimini. "Hay una increíble diversidad de nuevas tipologías que salen de estos dibujos de error. Un solo diseñador no podría inventar tantos nuevos modelos para bicicletas ni en 100 cursos durante su vida y es por eso miro a esta colección con cierto nivel de asombro y confirmó mi sospecha: todo el mundo, independientemente de su edad y profesión, puede generar invenciones brillantes y extraordinarias. agregó el diseñador italiano. Es interesante ver como algunos de los dibujos son impulsados por la diversidad de género. Casi el 90% de los dibujos en los que la cadena está unida a la rueda delantera (o a la parte delantera y la parte trasera) fueron hechos por las mujeres. Por otra parte, los hombres en general, tienden a colocar correctamente la cadena, pero están más dispuestos a complicar excesivamente el marco cuando se dan cuenta que no están dibujando correctamente. Y vos... ¿cómo dibujás una bicicleta?

Bicicletas creativas

En el interior de la roca...

Las rocas se abren como cofres secretos. De "la piedra sólida" surgen esculturas como "mundos internos", estancias que podrían pertenecer a catacumbas, templos romanos, mausoleos, catedrales… El artista británico Matthew Simmonds, Licenciado en Historia del Arte, se especializó en arte y arquitectura de la Edad Media. Su inclinación por la historia se puede apreciar en cada pieza que esculpe: columnas dóricas de la Grecia antigua, tímpanos de estilo románico, bóvedas de crucería típicas del gótico. Todo realizado con una atención al detalle minuciosa. Simmonds no crea una construcción completa, deja que el espectador asuma, que imagine lo que falta. "El punto de vista cambiante y la luz juegan un fuerte papel en la definición de las esculturas", aclara el autor. ¿Qué pensás de su obra?

En el interior de la roca...

Esculturas desafiando la gravedad

El concepto arte hace tiempo que dejó de identificarse tan sólo con lo bello. Actualmente, y gracias a movimientos como las vanguardias, el mundo artístico ha experimentado una serie de cambios que lo convierten en inagotable y casi indefinible. Si algo caracteriza al arte actual es su obsesión por la lucha contra todas las leyes establecidas, incluídas las físicas. Diversos artistas han creado una serie de estatuas que desafían, de forma directa y exitosa, a la ley más antigua que conocemos: la ley de la gravedad. Estas estatuas parecen saltarse todos los postulados de Isaac Newton. Todas tienen su truco, unas más evidente y otras menos. Lo que si es indudable, es la extraña sensación que nos provoca contemplar estas esculturas luchando por mantenerse. ¿Cuál es tu favorita?

Esculturas desafiando la gravedad

De iglesia abandonada a obra de arte

Todo lo que toca Okuda San Miguel se convierte en arte. Nos viene a la memoria aquella iglesia española convertida en parque de skate. Ahora, Okuda ha vuelto a transformar otro edificio: una iglesia abandonada en Youssoufia, Marruecos. Este artista de Madrid ha titulado su última creación "11 Espejismos para la libertad" y en ella muestra su estilo personal, colorido y geométrico. Ha sido parcialmente organizado por la iniciativa en Marruecos de la Caravana de Arte Urbano del Concilio Británico, y los resultados han sido espectaculares. ¿Qué pensás de esta transformación?

De iglesia abandonada a obra de arte

Plaga de escarabajos decorativos

La obra de la artista británica Anna Collette Hunt nace de su amor por la escultura y los edificios históricos. El proyecto titulado La Agitación del Enjambre se compone de una horda gigantesca de escarabajos e insectos de cerámica de colores, que vienen en una variedad de formas y tamaños. Estos insectos esmaltados forman patrones abstractos que se dispersan a lo largo de las paredes. Las esculturas de insectos hechos a mano son únicas en su elaboración de tal manera que al observarlos detenidamente te darás cuenta de que incluso dentro de una comunidad de miles y miles, existe la individualidad. El enjambre ha estado viajando a través de Inglaterra por 4 años, partiendo de las paredes del Castillo de Nottingham y ahora posándose en una galería de arte en el Camino del Rey en Londres. Por último, el enjambre cruzará el mar, para visitar la isla de Santorini, Grecia.

Plaga de escarabajos decorativos

Las ciudades de Luke O’sullivan

Nacido en Boston, Luke O’sullivan es un artista que combina dibujos serigrafiados sobre madera y metal para crear estas detalladas esculturas arquitectónicas. Cada nuevo vistazo a su obra nos revela elementos que no habíamos notado anteriormente. Su arte está inspirado mayormente por una distópica ciencia ficción, que se ve reflejada en el uso de variados materiales, arquitecturas imposibles, enormes chimeneas industriales y pesadas torres. Pero la experiencia no se limita sólo a la superficie; debajo de la tierra, un nuevo mundo aparece. Las líneas detalladas y los enormes edificios son reemplazados por una red de materiales recuperados, tubos de metal, escaleras, plataformas de madera, cuerdas, cables y muchos pequeños detalles que llenan de vida este mundo subterráneo. ¿Qué opinás de estas obras?

Las ciudades de Luke O’sullivan

Arte impreso para no videntes

Unseen Art (Arte Invisible) es un proyecto que permite recrear grandes obras pictóricas impresas en 3D para que personas ciegas puedan apreciarlas por medio del tacto. Riikka Hänninen, una joven ciega de nacimiento, ha sido una de las primeras personas que participó en el proyecto piloto de Unseen Art. Pudo conocer finalmente la Mona Lisa, de Leonardo da Vinci: "Imagina que no sabes cómo es la famosa sonrisa de la Mona Lisa o los girasoles de Van Gogh. Imagina que escuchaste a la gente hablar de eso y saber que existe, pero nunca pudiste experimentarlo por tu cuenta. Hoy, para las millones de personas que son ciegas, eso puede cambiar" expresó Riikka. Este proyecto de impresión 3D busca recaudar dinero para acercar el arte a los invidentes. ¿Te gustaría que se convierta en realidad?

Arte impreso para no videntes

Ventanas al mundo

Andre Goncalves es un fotógrafo con sede en Lisboa que ha formado un catálogo visual de diferentes ciudades de Europa, destacando la cultura y la comunidad de cada lugar a través de la fotografía de su arquitectura. Este trabajo comenzó con "Ventanas del mundo" y recientemente se amplió con "Puertas del mundo". Ambas series muestran las características estructurales, paletas de colores y los materiales más utilizados de cada región. "Siempre he tenido una curiosidad acerca de las ventanas. Como la estructura de las casas, cambian de región a región. Compilé las miles de fotografías que tenía por ciudades o regiones para crear mi serie" dice Goncalves. Es interesante apreciar el resultado de su trabajo. Poder notar las cualidades comunes que comparten los elementos de cada región.

Ventanas al mundo

Superperspectiva

Muchos pintores manejan la perspectiva en sus cuadros y retratos con gran maestría, pero ninguno del modo en que el artista inglés Patrick Hughes lo hace. Para él, la perspectiva es mucho más que un recurso narrativo para mostrar la acción o el motivo de la obra, es una oportunidad de hacer que el espectador se meta dentro de su cuadro. En general sus obras pueden parecer planas y casi sin ninguna relevancia, hasta que la vemos en movimiento. La maestría de Patrick consigue que la pintura cobre vida, moviéndose contigo mientras te desplazas por la sala del museo. Te dejamos unos videos de sus obras para que puedas apreciarlas. Realmente valen la pena.

Superperspectiva

Instrumento musical con canicas

Diariamente nos sorprendemos con nuevas muestras de talento e ingenio. Hoy, nos toca encontrarnos con la Wintergatan Marble Machine, un complejo instrumento musical creado por el músico sueco Martin Molin. Esta intrincada caja musical hecha a mano utiliza 2000 canicas metálicas e incontables piezas de madera, engranajes y palancas, para reproducir sonidos de bombo, bajo, vibráfono y otros instrumentos. A través de una serie de canales, tubos y embudos las canicas circulan hasta las placas de metal que hacen sonar las notas. Todo orquestado con la precisión del compositor. ¡ESPECTACULAR!

Instrumento musical con canicas

Activismo artístico

La tensión política derivada de la crísis humanitaria que tiene a miles de sirios emigrando a día a día a diferentes partes del mundo aumenta a un ritmo acelerado. La mayoría de los emigrantes ponen en riesgo su vida y las de sus familias atravesando los mares en pequeñas embarcaciones en busca de una costas que les de la bienvenida. Durante el mes de Enero, el artista chino Ai Weiwei trabajó en la isla griega de Lesbos, a donde miles de refugiados llegan luego de sortear con éxito la travesía. El pasado 13 de febrero, en un esfuerzo por llamar la atención de la comunidad internacional sobre esta crisis humanitaria, el artista ha recogido 14.000 chalecos salvavidas, dejados atrás por los refugiados que llegan a Lesbos, para envolver las seis columnas del Konzerthaus Berlin, la sede oficial de la orquesta Orquesta Sinfónica de Berlín. El color y la textura de las columnas revestidas con chalecos salvavidas contrastan con el aspecto general del edificio construido en 1818 destacando las inumerables vidas que ha golpeado la crisis. De este modo, cada chaleco refleja la vida de un hombre, una mujer o un niño que deberá comenzar una nueva vida. ¿Qué opinás sobre este tipo de intervenciones artísticas?

Activismo artístico

El primer museo sumergido de Europa

14m Museo Atlántico es el nombre del primer museo subacuático ubicado en Europa, bajo las cristalinas aguas de las costas de Lanzarote, una de las islas del archipélago canario perteneciente a España. El autor es el artista Jason deCaires Taylor, quién ha poblado esta exhibición a la que sólo se puede acceder con un buen kit de buceo, con decenas de esculturas humanas hiper-realistas que parecen haberse congelado en el tiempo. Las figuras, cuiadosamente talladas, crean escenas que representan asuntos de interés global y transmiten dramáticos y conmovedores mensajes. Tal vez la composición más celebrada sea la llamada "Balsa de Lampedusa", de rabiosa actualidad, donde se representa con toda su crudeza el drama humano de la inmigración ilegal en el Mediterráneo. Las esculturas están hechas con un tipo especial de cemento marino diseñado para durar cientos de años. Se evita el uso de metales, corrosivos y contaminantes. Cuanto más tiempo están bajo el agua, más capas de depósitos de calcio se forman sobre estas esculturas, por lo que todas ellas irán deformándose y haciéndose irreconocibles con el tiempo. Se trata pues de una exposición viva y cambiante, condenada a desaparecer lentamente en el silencio del océano.

El primer museo sumergido de Europa

El Toro de Wall Street

Todo un símbolo del distrito financiero de Nueva York, el Toro de Wall Street (o Charging Bull, toro embistiendo) es una escultura de bronce que pesa 3.200 kg. y casi 5 metros de largo, situada en el parque Bowling Green cerca de Wall Street. Lo que no muchos saben es que la escultura no pertenece a la ciudad sino al artista Arturo Di Modica, que en 1989 y tras gastarse 360.000 dólares en él, dejó el toro frente al edifico de la Bolsa en lo que podría calificarse como un acto de vandalismo artístico. Un regalo a los neoyoquinos, según él, que representa la prosperidad económica, el optimismo, las ganas de luchar y el espíritu de combatir tras la crisis de la Bolsa de 1987. El toro no sólo es querido por los neoyorquinos de la Gran Manzana, sino que muchos viajeros se acercan hasta el parque donde se encuentra la escultura para sacarse una foto junto a él. Incluso se han creado réplicas de este toro en otras partes del mundo, como por ejemplo, en Shangai. La creencia popular dice que, quienes acarician el hocico y/o testículos del bovino, van a obtener buena suerte y fortuna para sus maltrechos bolsillos. ¿Sabías esta historia?

El Toro de Wall Street

Artista GPS

La creatividad no tiene techo, pero en el caso de Stephen Lund, sí tiene mucho camino por recorrer. Este ciclista canadiense hace 70 kms en bici cada día creando ingeniosos dibujos utilizando una aplicación de GPS que mapea su progreso. Su primer obra la realizó el 1 de enero de 2015 cuando Lund salió a dar un paseo en bicicleta. Como siempre utilizó Strava, un popular GPS para corredores y ciclistas que quieren registrar sus recorridos. De repente se le ocurrió "pintar" con su bicicleta y su GPS, un mensaje de año nuevo en las calles de Victoria, Canadá. Desde entonces ha hecho 22.300 kms y su mayor obra es una sirena de 220 kms. El proceso "es similar a ver formas en las nubes. Hago lo mismo con un mapa de la ciudad. El desafío es que todas las carreteras tienen que conectar, tiene que ser una línea continua" explica el artista. ¿Qué opinás de esta singular forma de arte?

Artista GPS
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